… Nicht mehr, wenn man diese putzigen Achtbeiner gesehen hat

Die australische Maratus volans, im Englischen besser bekannt als Peacock Spider, gehört innerhalb der Familie der Springspinnen zur Gattung Maratus.

Peacock Spider 01
(Quelle: Jurgen Otto)

Der australische Fotograf Jurgen Otto schafft es wunderbar mit seinen Bildern das Image von Spinnen etwas aufzupolieren. Die 5-Millimeter kleinen Tierchen verdanken ihren Namen ihrem bunten Hinterteil, welches sie bei der Balz einsetzen. Also mal wieder Makrofotografie vom Feinsten:

Peacock Spider 02
(Quelle: Jurgen Otto)

Peacock Spider 03
(Quelle: Jurgen Otto)

Peacock Spider 04
(Quelle: Jurgen Otto)

Peacock Spider 05
(Quelle: Jurgen Otto)

Peacock Spider 06
(Quelle: Jurgen Otto)

Peacock Spider 07
(Quelle: Jurgen Otto)

Peacock Spider 08
(Quelle: Jurgen Otto)

Der Tanz dieser Kleinen ist ziemlich beeindruckend. Wie ein Pfau demonstiert die Spinne ihren farbenprächtigen Hinterleib, danach hebt sie zwei Beine und läuft vibrationsartig von einer Seite zur anderen. Wenn das Männchen das Weibchen nicht beeindrucken kann, wird der Arme zu ihrer Beute.

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Wer noch mehr Fotos von Jurgen Otto sich ansehen möchte, kann auf seinen Flickr-Account mal vorbei schauen

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Gerade bin ich auf ein wirklich sehr schönes Projekt von der Hildesheimer Fotodesigerin Benita Heldmann gestoßen. Schade, dass ich es erst jetzt entdeckt habe… Denn sie hat den Kalender “Märchenhafter Wildwechsel 2012″ entworfen, um Tieren zu helfen.

Aschenputtel, Modell: Olga K.
(Quelle: Benita Heldmann)

Der komplette Erlös aus dem Tierschutzkalender geht an das Tierheim Hildesheim und anteilig an das Tierhilfe-Projekt von Viktor Savoschenko in Lettland. Die Druckkosten wurden über Sponsoren finzanziert und sämtliche Modelle sowie Visagisten haben honorarfrei gearbeitet.

Rotkäppchen, Modell: Monique Schubert
(Quelle: Benita Heldmann)

Benita Heldmann setzt die dargestellten Märchen mit einer wunderschönen Eleganz in Szene und thematisiert in Ihren Collagen das Spannungsfeld zwischen Mensch und Tier.

Froschkönigin, Modell: Anke Maßmann
(Quelle: Benita Heldmann)

Bis die Collagen entstehen konnten, musste natürlich viel Mühe in die Fotos gesteckt werden und in die darauffolgende Postproduktion, die komplett mit Photoshop durchgeführt wurde.

Sieben Raben, Modell: Dennis Koeckstadt
(Quelle: Benita Heldmann)

Schneeweißchen, Modell: Tessa Achtermann
(Quelle: Benita Heldmann)

Kleine Meerjungfrau, Modell: Sabine Hornung
(Quelle: Benita Heldmann)

Schwanensee, Modell: Maria A.
(Quelle: Benita Heldmann)

Sogar ein Video gibt es zum Making of des märchenhaften Kalenders, viel Spaß!

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Titelbild: Copyright by Benita Heldmann

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FW:look! wünscht euch, zwar etwas verspätet aber immerhin, einen schönen Nikolaustag Der Nikolaus hat sogar ein kleines, zum Wetter passendes, “Geschenk” für euch: Schneeflocken, wie ihr sie in ihrer Schönheit nie mit dem bloßen Auge erkennen könntet.

Der talentierte, russische Fotograf Andrew Osokin zeigt die zerbrechlichen und schnell dahinschnmelzenden Schneeflocken von ihrer schönsten Seite. Aber seht selbst:

Schneeflocke Makroaufnahme 01
(Quelle: Andrew Osokin)

Schneeflocke Makroaufnahme 02
(Quelle: Andrew Osokin)

Schneeflocke Makroaufnahme 03
(Quelle: Andrew Osokin)

Schneeflocke Makroaufnahme 04
(Quelle: Andrew Osokin)

Schneeflocke Makroaufnahme 05
(Quelle: Andrew Osokin)

Schneeflocke Makroaufnahme 06
(Quelle: Andrew Osokin)

Zudem hat Andrew wohl auch eine Schwäche für Wassertropfen… Die Wunder der Natur sollte man halt auch mal im kleinen Format bestaunen

Wassertropfen Makroaufnahme 01
(Quelle: Andrew Osokin)

Wassertropfen Makroaufnahme 02
(Quelle: Andrew Osokin)

Wassertropfen Makroaufnahme 03
(Quelle: Andrew Osokin)

Wassertropfen Makroaufnahme 04
(Quelle: Andrew Osokin)

Für weitere Aufnahmen besucht die Seite von Paranoias.org, denn leider habe ich von Andrew Osokin selbst keinen Internetauftritt gefunden. Falls jemand doch noch seine Seite findet, schreibt es uns

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Schon mal Fotos gesehen, welche so gut mit der Leere bzw. Weite eines Raumes oder einer Landschaft spielen? Ich zumindest nicht… Andric ist ein Fotograf aus den USA, welcher für seine Stillleben und Landschaftsdarstellungen bekannt ist und eine lange Liste an Kunden hat, wie zum Beispiel Panasonic oder AT&T. Seine Studioaufnahmen sowie surrealen Landschaftsbilder sind einfach beeindruckend und lassen einen kaum mehr los.

Aus Andrics “people & space 1″
(Quelle: Andric)

Aus Andrics “people & space 2″
(Quelle: Andrics)

Sehr schön fand ich seine Aussage zu dem weiten Raum, die er seinen Bildern verleiht:

If you put [...] a subject in a wider stage with a lot more space, you’re creating space for other things to happen. [...] I think the negative space that you put in an image usually defines the mood of the picture and a lot of my imagery is more about mood than about content. The content is the mood.

Aus Andrics “people & space 3″
(Quelle: Andric)

Aus Andrics “complex”
(Quelle: Andric)

Aus Andrics “people & space 1″ 2
(Quelle: Andric)

Hinter den Kulissen: Wie Andric die Werbefotos für einen Supermarkt kreierte

Andric gab, vor ein paar Jahren, dem Onlinemagazin “The F STOP” ein Interview, in welchem er auf zahlreiche Fragen interessante Antworten gab. Dieses Interview könnt ihr hier lesen. Zudem demonstrierte er anhand eines Beispiels, wie er arbeitet:

Werbefoto für den Supermarkt IGA in Kanada
(Quelle: Andric)

Andric wollte mit der Kampagne klar machen, dass man die Verpackung ignorieren und nur den Inhalt beachten soll. Was hervorragend mit dieser Idee klappt.

Um einen anderen Blickwinkel zu erreichen, im Gegensatz zu den normalen Produktfotos, wählte Andric ein Weitwinkelobjektiv. Er fotografierte alle Bilder mit einer Hasselblad H2.

Hinter den Kulissen: Fotografieren der Hände
(Quelle: Andric)

Hinter den Kulissen: Fotografieren des Joghurts
(Quelle: Andric)

Um die passenden Bilder für die Komposition zu erhalten, fotografierte er mehrmals die Lage der Hände, die Spritzer und den Joghurt als Stillleben. Die ausgewählten Bilder wurden dann zu dem fertigen Bild arrangiert. Hier weitere Bilder der Kampagne:

Werbefoto für IGA 1
(Quelle: Andric)

Werbefoto für IGA 2
(Quelle: Andric)

 Werbefotos für AT&T

AT&T ist bei uns zwar eher nicht bekannt, aber Andric zaubert beeindruckende Werbeaufnahmen für diese Firma. Er gestaltet Landschaften nur aus bemalten Händen geformt, in denen das Handy im Vordergrund steht:

Werbefoto für AT&T 1
(Quelle: Andric)

Werbefoto für AT&T 2
(Quelle: Andric)

Werbefoto für AT&T 3
(Quelle: Andric)

Also, wie ihr seht lohnt sich auf jeden Fall ein Besuch auf Andrics Website. Viel Spaß beim Staunen!

Und zum guten Schluss:

What catches your attention is visual ambiguity. (Andric)

Der Beitrak Der Fotograf der Weite: Andric erscheint auf FW: look! – Design Blog.

Das war’s, die 32. photokina ist am letzten Sonntag, den 23. September 2012 zu Ende gegangen. Die Fotomesse zeigte sich sehr beliebt und durchaus international: 185.000 Besucher aus 166 Ländern besuchten das Gelände der koelnmesse in den 6 Messetagen.

Für mich war es dieses Jahr das erste Mal auf der photokina, die nur alle zwei Jahre stattfindet. Mit relativen hohen Erwartungen im Gepäck ging es Freitag früh los nach Köln.

In Köln angekommen, gab es den ersten Eindruck: Die Stadt haut mich jetzt nicht wirklich vom Hocker, dafür kommt man gut zum Messegelände.

Die Messe war noch ziemlich menschenleer – es war ja auch erst seit 15 Minuten geöffnet. Gut gelaunt habe ich also meine Kamera ausgepackt. Doch leider musste ich feststellen, dass mein 15-55mm Objektiv nicht mehr fokussiert und komische, knackende Geräusche von sich gibt. Klasse… nun musste ich also mit meinem 55-250mm Zoom-Objektiv über die Messe rennen! Ich bin begeistert…

Die Vorträge / Fotoshootings

Andreas Reiter beim Playmate-Fotoshooting
(Quelle: FW: look! / Ingo Lehmann)

Mein Ziel an diesem Tag: Viele Vorträge mitbekommen, eventuell etwas lernen und mal wieder so richtig Bock auf fotografieren bekommen. Weniger Zubehör und Objektive beglotzen, die ich mir sowieso nicht leisten kann.

Und da kommen wir zum Problem: Natürlich besteht der Großteil aus Equipment-Ausstellern, das ist ja auch völlig o.k.! Doch die Vorträge waren meiner Meinung nach auch nur mittelmaß.

Es scheiterte leider schon an den Grundvorraussetzungen: Man nehme ein Live-Fotoshooting, z.B. das Playmate-Shooting, welches zum einen sehr interessant klingt, zum anderen auch recht nett anzuschauen ist. Doch wenn die Bilder, die Andreas Reiter da auf der Bühne macht, nicht mal auf einer Leindwand o.ä. live zu sehen sind, kann der Zuschauer damit nur wenig anfangen.

Das ist zwar jetzt nur ein Beispiel, aber gerade auf diese Art von Live-Aktionen hatte ich mich sehr gefreut.

Manfred Baumann auf der Bühe. Einige Zuschauer haben sich dazu gesellt.
(Quelle: FW: look! / Ingo Lehmann)

Die Events von Manfred Baumann hingegen waren sicherlich extrem spannend und spektakulär. Davon habe ich nur leider relativ wenig mitbekommen, denn die Halle war maßlos überfüllt. Egal wie früh man dort war, es war kein durchkommen! Sehr beeindruckend, was für eine Anziehungskraft dieser Mann hat. Seine Bilder von Top-Stars wie Sylvester Stallone, Bruce Willis oder Lionel Richie zeige er dann auch gleich in seinem eigenen Teil der Halle.

Neuheiten und Equipment

Es gab sicher viele Neuheiten zu entdecken, ich kann euch nur kurz von folgendem berichten:

Canon EOS 6D

Etwas mehr Geld auf dem Konto und diese Kamera wäre meine. WLAN-Modul und GPS sind direkt eingebaut, wodurch für den integrierten Blitz kein Platz mehr übrig geblieben ist. Nicht sonderlich tragisch, meistens lässt die Blitzqualität sowieso zu wünschen übrig. 20,2 Megapixel, Vollformat CMOS Sensor, ISO bis 102.400, 4,5 Bilder pro Sekunde für 2.000 Euro: Die Light-Variante zur 5D MK III.

Hasselblad

Hasselblad hat wieder Neues mitgebracht, das ich an dieser Stelle nur der Vollständigkeit halber erwähnen möchte. Es sei nur soviel gesagt: 40-60 Megapixel stehen zur Verfügung, bei einem Preis ab 16.184 Euro für das günstigste Modell! Die Objektive noch nicht mit eingerechnet…

“Die dicke Bertha”

Die dicke Bertha: Riesen Tele-Zoom von Sigma
(Quelle: FW: look! / Ingo Lehmann)

Endlich mal live gesehen und selbst bedient: Das Sigma 200-500mm F2,8 EX DG für schlappe 24.000 Euro. Man beachte den Tragegriff am Objektiv! Den braucht man aber auch bei 15.7 Kilogramm Gewicht. Außerdem mit kleinem Display. Wahnsinn!

Fazit

photoglobe
(Quelle: FW: look! / Ingo Lehmann)

Bei allem Mosern: Es war schön einmal dort gewesen zu sein. Allein schon um wieder etwas in das “Foto-Feeling” zu kommen und den Besuch auf seiner Checkliste abhaken zu können.

Alle die etwas tiefer in der Fotografie-Materie stecken und sich gerne mit Hardware beschäftigen werden sicher eine tolle Zeit haben und mit den Ausstellern mehr anfangen können als ich.

Da Bilder ja bekanntlich mehr sagen als Worte, haben wir die Messe-Eindrücke für euch festgehalten: Zu den Messe-Eindrücken »

Der Beitrak So war die photokina 2012 erscheint auf FW: look! – Design Blog.

Die photokina 2012 ist in vollem Gange – und wir sind dabei!

Ich werde am Freitag, den 21. September 2012 auf der photokina unterwegs sein und euch mit einigen live Beiträgen auf unserer facebook Seite versorgen.

FW: look! facebook Wall:

Der Beitrak FW: look! unterwegs: photokina 2012 erscheint auf FW: look! – Design Blog.

Wenn man das Wort Treppen hört, stellt man sich meist nicht allzu ausgefallene Fotos dabei vor. Einige Deviant-Art-User haben allerdings versucht, Treppen möglichst kunstvoll darzustellen – ganz anders als in dem Artikel in dem es auch um – sagen wir mal “Interieur” ging”: Clubs am Morgen nach der Fete
Ich habe Euch die Sahnestücke unter den Treppenfotos mal herausgesucht und werde sie ohne viele Worte jetzt einfach mal heraushauen:

Der Himmel am Ende der Treppe zieht einen förmlich ins Bild
(Quelle: Deviantart-User Amirrashko)

Dunkel, sehr harmonisch sehr beruhigend
(Quelle: Deviantart-User Ibsenx)

Mal keine Trichterform, sondern ein sehr symmetrischer Bildaufbau
(Quelle: Deviantart-User: t1up)

Perfekte Rundungen
(Quelle: Deviantart-User Pandowo014)

Eine Treppe, die mal fast schon normal fotografiert wurde, besticht durch die Schlichtheit und Farbgebung
(Quelle: Deviantart-User Writto)

Der Farbkontrast zwischen dem Rot und Blau zusammen mit der perfekt ausgerichteten Kamera machen dieses Treppenfoto zeigenswert
(Quelle: Deviantart-User Naim Moukarzel)

Ich habe nur nach “Stairs” gesucht….
(Quelle: Deviantart-User MaryXmasss)

Für das Auge nicht leicht zu erfassen, was Schatten und was die eigentliche Treppe ist
(Quelle: Deviantart-User Brokenchaoz)

Atmospährisch wirkender Treppenabstieg
(Quelle: Deviantart-User Bububoubou)

Wie die meisten dieser Treppenfotos besticht dieses durch die harmonisch-organischen Formen. Dazu noch ein warmes grün.
(Quelle: Deviantart-User Ladyrapid)

Von wegen harmonisch-organisch – es geht nämlich auch sehr kantig, was nicht minder interessant ist, oder?
(Quelle: Deviantart-User Dennis Siegel)

Schöne Farbgebung und trotz des fast schon normalen Bildaufbau eine reinziehende Wirkung
(Quelle: Deviantart-User Paikan07)

Ein starker schwarz-weiß-Kontrast fesselt den Betrachter
(Quelle: Deviantart-User De1ete)

Mein persönlicher Favourit, aufgrund der Form- und Farbgebung.
(Quelle: Deviantart-User illpadrino)

Warm und einladend, dieses Treppengebilde
(Quelle: Deviantart-User Paikan07)

Krasse Farbkontraste machen dieses Treppenfoto zum Hingucker – das Titelfoto
(Quelle: Deviantart-User: Bittersweetvenom)

Wer sich selber durch Deviantart schlagen möchte und noch mehr Treppenfotos sehen möchte, kann sich gerne einfach so auf die Suche machen, oder mal durch diese Treppenguppe klicken. Mir persönlich gefallen diese Fotos wirklich ausgesprochen gut, weil die Künsler sich durchaus Gedanken dazu gemacht haben, wie sie am besten die Perspektive einfangen und/oder diese durch spezielle Objektive diese Verzerren. Falls jemand selber mal Treppen ablichten möchte, der kann sich ja auch mal überlegen, in wie weit es Sinn macht, auch mit der Tiefenschärfe zu spielen -

Mit dem Klick aufs Foto geht es zum Artikel “Das Spiel mit der Unschärfe”
(Quelle: Vermin Inc, flickr)

Der Beitrak Hypnotisierende Treppenfotos erscheint auf FW: look! – Design Blog.

Der koreanische Fotograf Dan Chung zeigt uns, dass nicht immer eine teure Ausrüstung nötig ist, um beeindruckende Fotos zu schießen.

Wir schreiben das Jahr 2012 und die Generation der Smartphones ist scheinbar angebrochen. Mittlerweile haben die Alleskönner durchaus ihre Daseinsberechtigung, und das auch ebenso Bereich der Fotografie.

Millionen von Menschen halten tagtäglich alles fest, was ihnen vor die kleine Linse ihres “Telefons” gerät. Das Angebot von Facebook, für Instagram 1.000.000.000 Dollar zu zahlen, belegt diesen Auswärtstrend.

Da ist es naheliegend, dass auch die Profis ihre Smartphones nutzen!

Der Fotograf samt iPhone 4S in Aktion
(Quelle: Dan Chung)

So auch Dan Chung: Der Fotojournalist des britischen Guardian dokumentiert die Olympischen Sommerspiele 2012 in London nur mit seinem iPhone 4S, einem Canon Fernglas bzw. einer iPhone Linse von Schneider und der App Snapseed.

Wir haben die besten Fotos für euch herausgesucht:

Rabah Yousif wurde während des 400 Meter Laufs durch das olympische Feuer eingefangen
(Quelle: Dan Chung)

Peter Charles beim Sprung zum Sieg
(Quelle: Dan Chung)

Blick hinter die Kulissen: Ein Fotograf unter dem Becken im Aquatics Center
(Quelle: Dan Chung)

Britische Fans auf der Tribüne
(Quelle: Dan Chung)

Mo Farah gewinnt die 10.000 Meter und lässt sich feiern
(Quelle: Dan Chung)

Usain Bolt überquert die Ziellinie beim 100 Meter Lauf
(Quelle: Dan Chung)

Das britische Team auf dem Weg zum Gold. Entstanden ist das Foto mithilfe der Schneider Linse
(Quelle: Dan Chung)

Auch Schwarz/Weiss bringt den gewünschten Effekt. Ein Junge im Velodrom
(Quelle: Dan Chung)

Carin Christiansen scheint auf das Olympische Logo zu schießen
(Quelle: Dan Chung)

Ina Stepanova und Ren Hayakawa beim Bogenschießen
(Quelle: Dan Chung)

Ki Bo Bae beim Bogenschießen. Sogar der fliegende Pfeil ist zu erkennen
(Quelle: Dan Chung)

Jennifer Pinches beim Kunstturnen in der Greenwich Arena
(Quelle: Dan Chung)

Die Sicht aus einem Fotografenstand beim Bogenschießen
(Quelle: Dan Chung)

Weitere Bilder gibt es auf der Webseite des Guardian!

Der Beitrak Die Olympischen Spiele aus der iPhone-Perspektive erscheint auf FW: look! – Design Blog.

Der Fotograf Leland Bobbé zeigt in seiner Fotoserie “Half-Drag” die Verwandlung in Drag Queens.

Dafür hält er in seinen Portraits die Verwandlung der Drag Queens in ihr femines Alter Ego, auf nur einem Bild fest. Er stellt damit – sozusagen – die “beiden Persönlichkeiten” der Künstler gegenüber.

Erstaunlich finde ich, was die Magie des Make-Ups für Wunder vollbringen kann!

Besonders wichtig: Die Bilder wirken zwar wie am Computer zusammengesetzte Bilder, sind aber genau SO geschossen worden… Gott sei dank gibt es noch Fotografen, die nicht direkt zu Photoshop greifen, sondern Dinge auch noch quasi analog umsetzen!

“My intention with Half-Drag is to capture both the male and the alter-ego female side of these subjects in one image.”

– Leland Bobbé

Half-Drag: Vivienne Pinay
(Quelle: Leland Bobbé)

Half-Drag: Sherry Vine
(Quelle: Leland Bobbé)

Half-Drag: Sabel Scities
(Quelle: Leland Bobbé)

Half-Drag: Roxy Brooks
(Quelle: Leland Bobbé)

Half-Drag: Pusse Couture
(Quelle: Leland Bobbé)

Half-Drag: Miss Fame
(Quelle: Leland Bobbé)

Half-Drag: Magnlia Applebottom
(Quelle: Leland Bobbé)

Half-Drag: Maddelyne Hatter
(Quelle: Leland Bobbé)

Half-Drag: Kittin Withawhip
(Quelle: Leland Bobbé)

Half-Drag: Jordan Fox
(Quelle: Leland Bobbé)

Half-Drag: Jessica Payge
(Quelle: Leland Bobbé)

Half-Drag: Honey Labronx
(Quelle: Leland Bobbé)

Half-Drag: Honey Davenport
(Quelle: Leland Bobbé)

Half-Drag: Fifi Dubois
(Quelle: Leland Bobbé)

Half-Drag: Epiphany Get Paid
(Quelle: Leland Bobbé)

Half-Drag: Crystal Demure
(Quelle: Leland Bobbé)

Half-Drag: Anastasia
(Quelle: Leland Bobbé)

(via)

Der Beitrak Die Gesichter der Drag Queens erscheint auf FW: look! – Design Blog.

Landschaften aus Lebensmitteln zu bauen… Wie kommt man nur darauf?

Creative Foodscape (1)
(Quelle: Carl Warner)

Der Engländer Carl Warner, geboren 1963, wollte eigentlich Illustartor werden, da er ein Talent zum Zeichnen hatte. Doch er entdeckte die Fotografie für sich, da er dieses Medium viel spannender fand und seine Ideen schneller umsetzen konnte. So wurde er ein erfolgreicher Stilllebenfotograf und manifestierte sich in der Welt der Werbung. Über die Jahre entwickelte er seine aufwendigen Landschaften aus Lebensmitteln, welche er 2010 in seinem Buch “Carl Warner’s Food Landscapes” herausbrachte.

Creative Foodscape (2)
(Quelle: Carl Warner)

Landschaft aus Lebensmitteln für Uncle Ben’s
(Quelle: Carl Warner)

Mal was anderes: Landschaft aus Strick und Schuhen
(Quelle: Carl Warner)

Creative Foodscape (3)
(Quelle: Carl Warner)

Die Foodlandscapes kreiert Carl in seinem londoner Fotostudio. Er baut diese auf einen großen, extra dafür hergestellten, dreieckigen Tisch. Die Szenen werden in Ebenen fotografiert, vom Vordergrund bis zum Hintergrund und dem Himmel, was sehr zeitintensiv ist. Durch die Länge der Shootings und die Beleuchtung verderben die Nahrungsmittel schnell… Daher sagt Carl Warner selber, dass er trotz seiner Erfahrung, sich von Modellbauern und Foodstylisten helfen lässt. Auch um die besten “Zutaten” für seine Landschaften auszuwählen, sie gut und vorallem natürlich aussehen zu lassen. In der Nachbearbeitung wird dann jedes Element zu dem finalen Bild zusammengesetzt und bearbeitet.

Creative Foodscape (4)
(Quelle: Carl Warner)

Seine Arbeit beginnt immer mit einer Zeichnung, in der er die Komposition ausarbeitet und auch dem Team eine Kopie gibt. Dann arbeitet er jeden Part der Szene aus, aus was für Lebensmitteln sie bestehen soll. Die jahrelange Erfahrung als Fotograf hilft ihm bei der Belichtung und speziell bei der Neugestaltung bzw. Erzeugung von natürlichem Licht. Dazu nutzt er eine Kombination aus Glühlampenlicht (enthält höheren Rotanteil als Tageslicht) und Blitzlicht.

“With my ‘Foodscapes’ I can now put together the knowledge of natural light with the control of recreating it in the studio in order to bring out the colours and textures as well as the beauty of a scene” (Carl Warner)

Creative Foodscape (5)
(Quelle: Carl Warner)

Creative Foodscape (6)
(Quelle: Carl Warner)

Die Kompositionen zu arrangieren und zu fotografieren dauert bis zu 2 oder 3 Tagen. Genauso werden mehrere Tage für die Retouche und das Finetuning benötigt, damit alle Elemente abgestimmt und zusammengebracht werden.

Creative Foodscape (7)
(Quelle: Carl Warner)

Creative Foodscape (8)
(Quelle: Carl Warner)

Creative Foodscape (9)
(Quelle: Carl Warner)

Ein sehr schönes Zitat von Carl Warner zu seinen Foodscapes:

“I tend to draw a very conventional landscape using classic compositional techniques as I need to fool the viewer into thinking it is a real scene at first glance, it is the realisation that the scene is in fact made of food that brings a smile that brings a smile to the viewer, and for me that’s the best part.” (Carl Warner)

Sein Buch “Carl Warner’s Food Landscapes” könnt ihr bei amazon erstehen. Außerdem kann man seine Werke als Poster bei Lenswall ab £60 kaufen. Wenn ihr mehr über Carl Warner erfahren wollt, geht auf seine Website.

Der Beitrak Foodscapes by Carl Warner erscheint auf FW: look! – Design Blog.

Arne berichtete bereits in seinem Artikel Banksy in echt über den Fotografen Nick Stern, welcher unter dem Namen “You are not Banksy” die bekanntesten Arbeiten von Banksy als Vorlage nimmt, diese nachstellt und fotografiert. Nun hat er seine Fotoserie um 11 Motive erweitert.

Wer eventuell immernoch nicht den Streetartkünstler Banksy aus London kennt, welcher für seine Schablonenarbeiten berühmt ist, sollte auf jeden Fall seine Website besuchen.

Banksy Dog
(Quelle: Nick Stern)

Banksy Mother and Son
(Quelle: Nick Stern)

Banksy What?
(Quelle: Nick Stern)

Banksy Snorting Copper
(Quelle: Nick Stern)

Bored Panda – the only magazine for pandas hat mit Nick Stern sogar ein Interview führen können, in welchem er einige Fragen zu seiner Inspiration und der Umsetzung der Bilder beantwortet :

How did you come up with the idea?
The idea to recreate Banksy’s iconic images came about in summer 2011 during the Riots that we breaking out in London (my home town).

I was shooting a actor friends and we wanted a ‘dark’ ‘moody’ feel to the images so we dressed him in a hoodie. I thought it would be an interesting project to recreate a riot scene with people thrower flowers instead of petrol bombs and bricks. That idea developed into the recreations.

Banksy Child Soldier
(Quelle: Nick Stern)

Banksy Peace
(Quelle: Nick Stern)

How did people react to your idea?
I’m amazed how many people love it. Some people have bought a great number of prints, I’ve also sent some prints free to people who love it but can’t afford to buy them. I’ve had a lot of support from Central and South America. The French seem to hate me. Haha! What do the French know about art

Have you talked to Banksy about your project?
I’ve had no feedback from Banksy. I would love to do a book combining his street art and my images. I’ve already had some interest and looking for a publisher.

Banksy Pulp Fiction
(Quelle: Nick Stern)

Banksy Naked Man
(Quelle: Nick Stern)

Banksy Guantanemo
(Quelle: Nick Stern)

Banksy BB
(Quelle: Nick Stern)

Banksy Girl and a Soldier
(Quelle: Nick Stern)

Weitere interessante Arbeiten von Nick Stern findet ihr auf seiner Website, zudem könnt ihr dort im Online-Shop seine “You are not Banksy”-Werke für 45$ erstehen.

Der Beitrak Banksy in echt – Die Fortführung erscheint auf FW: look! – Design Blog.

Altbewerte Techniken werden immer mal wieder neu erfunden. So schaffte es auch der finnische Fotograf Christoffer Relander der Mehrfachbelichtung wieder ein neues und interessantes Leben einzuhauchen. Seine Fotoserien “Multiple Exposure Portraits” und “We are Nature” sind in aller Munde:

Mehrfachbelichtung (1)
(Quelle: Christoffer Relander)

Mehrfachbelichtung (2)
(Quelle: Christoffer Relander)

Mehrfachbelichtung (3)
(Quelle: Christoffer Relander)

Alle diese Fotos entstanden nicht in Photoshop oder mit einer analogen Kamera, wie man vielleicht meinen möchte, sondern Christoffer Relander fotografierte seine Motive alle “in-camera” mit seiner Nikon D700. Das heißt mehrere Aufnahmen werden nacheinander belichtet und zu einem Bild verschmolzen. Die Einzelaufnahmen werden dabei nicht gespeichert. Danach hat der Fotograf legendlich noch den Kontrast bearbeitet und die Bilder schwarz/weiß gefärbt.

Mehrfachbelichtung (4)
(Quelle: Christoffer Relander)

Begriffsklärung:

Die Mehrfachbelichtung ist ein Phänomen in der Fotografie. Bei der chemischen Fotografie kann es vorkommen, dass mehrere Aufnahmen auf dieselbe Stelle der Emulsion belichtet werden, so dass sich die Einzelaufnahmen zu einem gemeinsamen Bild überlagern. Bei der digitalen Fotografie wird der Bildsensor mehrfach belichtet, bevor dieser ausgelesen und gelöscht wird. Dieser Effekt kann bewusst herbeigeführt werden, ist jedoch meist unerwünscht. (www.wikipedia.de)

Einsatzgebiete der Mehrfachbelichtung

Die Mehrfachbelichtung wird häufig dazu genutzt Bewegungen zu visualisieren, wie bei Sportaufnahmen oder bei Mondfinsternissen und Sonnenfinsternissen.

Mehrfachbelichtung und Visualisierung von Bewegung
(Quelle: Maxe09 (View Community))

Mehrfachbelichtung von einer Mondfinsternis
(Quelle: Mactographer (Wikipedia))

Zudem kann der Eindruck eines Röntgenblicks erzeugt werden, indem eine Aufnahme des Motives einmal mit und einmal ohne Hülle gemacht wird. Die Steigerung von gewolllter Unschärfe bei künstlerisch-experimentellen Aufnahmen, ist ein weiteres Einsatzgebiet.

Technische Realisierung

Es gibt drei Methoden, um eine Mehrfachbelichtung zu realisieren:

1. Man erzielt durch einen dauerhaft geöffneten Verschluss und durch Auslösen mehrerer Blitzlichter eine mehrfache Belichtung des Films. Dabei muss man beachten, dass dies in Dunkelheit geschehen sollte, da es sonst zur Überbelichtung kommt. Diese Methode wird besonders zur Analyse von extrem schnellen Bewegungsabläufen genutzt, z. B. in der Ballistik.

2. Der Verschluss wird für jede Einzelbelichtung erneut geöffnet. Bei analogen Kameras wird hier jedoch der Film zwischen den Belichtungen nicht weiter transportiert und bei Digitalkameras wird der Chip nicht ausgelesen und gelöscht. Kameras mit automatischem Filmtransport müssen vorher in eine entsprechende Betriebsart gebracht werden, um das Vorspulen des Films nach jeder Einzelbelichtung zu unterdrücken. Bei Kameras mit manuellem Filmtransport muss die üblicherweise vorhandene Sperre zur Verhinderung unbeabsichtigter Mehrfachbelichtungen aufgehoben werden.

3. Es ergeben sich immer Mehrfachbelichtungen bei Verschlusszeiten im Minutenbereich, sobald sich ein Objekt bewegt. Andererseits werden sich schnell bewegende Objekte gar nicht auf dem Film festgehalten oder werden nur verschmiert dargestellt. Bei der experimentellen Fotografie sind beide Effekte durchaus erwünscht. (aus wikipedia.de)

Der Beitrak Doppelt und Dreifach – Die Mehrfachbelichtung erscheint auf FW: look! – Design Blog.

Im Projekt humanae kategorisiert Angelica Dass menschliche Hautfarben und vergleicht sie mit den Pantone-Farben.

Um die passende Farbe herauszufinden, nimmt Angelica ein 11×11 Pixel-Sample aus dem geschossenen Foto, errechnet daraus den Durchschnitt und färbt den Hintergrund in der entsprechenden Pantone-Farbe.

Von der Webseite:

The project development is based on a series of portraits whose background is dyed with the exact Pantone® tone extracted from a sample of 11×11 pixels of the portrayed’s face. The project’s objective is to record and catalog all possible human skin tones.

Eventuell etwas überinterpretiert, aber: Meiner Meinung nach hat das Ganze einen Hauch von: “Alle Menschen sind gleich, egal welche Hautfarbe”. Und das gefällt mir ziemlich gut!

“humanae” von Angelica Dass:

(Weitere Bilder auf der Projekt-Webseite.)

Der Beitrak Der Mensch in Pantone erscheint auf FW: look! – Design Blog.

In dem ersten Teil High und Low Key habe ich mich mit der unschuldigen Seite beschäftigt: High Key, doch es gibt ja immer noch eine zweite Seite… Low Key-Fotografie, meist in der Schwarzweißfotografie genutzt, beschäftigt sich mit starken Kontrasten und dunklen Tönen, dienen also eher für dramatische und düstere Fotos.

Klavierszene als Low Key
(Quelle: deviantart: bittersweetvenom)

Low Key-Bild eines Mannes
(Quelle: deviantart: AlexEvolett)

Aber genauso wie bei der High Key-Fotografie wird diese Technik auch für Aktaufnahmen genutzt, da es gleichzeitig eine reiz- und geheimnisvolle Stimmung verbreitet.

Low Key-Aktaufnahme
(Quelle: deviantart: Photoman3371)

Woher der Name Low Key?

Wie schon in Teil 1 beschrieben heißt “Key” Schlüssel und beschreibt in der Fotografie die vorherrschende Farbe bzw. Helligkeit. In den frühen Stummfilmen wurde das Führungslicht (key) für die Bösewichte eher tief (low) gehängt und die Umgebung sowie der Bösewicht wurden in dunklen Tönen gehalten. Wer kennt nicht das berühmte dunkle “Frankensteinlicht”

Low Key-Szene aus "Frankenstein"
(Quelle: unbekannt)

Eigenschaften und Umsetzung von Low Key

Low Key-Aufnahmen besitzen hauptsächlich schwarze und dunkelgraue Tonwerte, nur das Hauptmotiv ist belichtet. Dadurch entsteht ein hoher Kontrast und der Blick des Betrachters wird auf den wesentlichen Bildinhalt gelenkt. Durch seitliches Licht lässt sich eine skulpturenhafte Erscheinung des Motivs erreichen, da durch Lichter und Schatten die Konturen besonders hervorgehoben werden. Somit ist diese Technik auch hervorragend für Stillleben und Einzelportraits geeignet.

Low Key-Bild eines Stilllebens
(Quelle: flickr: Rawker66)

Portrait eines Mannes als Low Key
(Quelle: deviantart: djbennyj)

Desweiteren sind Schatten ein bewährtes Mittel zur Steuerung der Sichtbar- und Unsichtbarmachung bestimmter Bildelemte, sodass die Aktfotografie einen großen Vorteil daraus zieht.

Akt als Low Key
(Quelle: flickr: Hannes Blues)

Die Belichtungstechniken High und Low Key müssen meist aus der passenden Situation heraus fotografiert werden, da man ja nicht immer im Studio fotografiert.

Bei Low Key-Aufnahmen sollte ein dunkler Hintergrund gewählt werden und eine Lichtquelle verwendet werden. Hier kann man zum Beispiel die tiefstehende Sonne, eine Schreibtischlampe oder ein Blitzgerät einsetzen. Hier ein beispielhafter Studioaufbau für die Low Key-Fotografie:

Beispiel einer Studioanordnung für Low Key
(Quelle: fwlook.de/Laura Kluczny)

Das Ergebnis zeichnet sich durch satte Tiefen und ein gänzliches Fehlen von Zwischentönen aus. Die Bildwirkung kann im Nachhinein natürlich durch eine Bildbearbeitung optimiert werden.

Low Key-Fotografie hat übrigens nichts mit Unterbelichtung zu tun! Unterbelichtete Bilder wirken trübe und flau, da sie einen zu geringen Tonwertumfang besitzen. Das bedeutet die Tiefen saufen ab und haben keine Zeichnung mehr.

Hier ein Histogramm eines tollen Low Key-Bildes: Es zeigt, dass das Bild hauptsächlich aus dunklen Tönen aufgebaut ist, denn auf der linken Seite sieht man ein “Gebirge”. Zudem ist noch Zeichnung in den Tiefen vorhanden, da der “Berg” nicht einfach abgeschnitten ist, sondern in einem Tal endet.

Low Key einer schwangeren Frau und passendes Histogramm
(Quelle: Foto: deviantart: jeff-man)

Hier sieht man ein Low Key-Bild bei dem die Tonwertverteilung nicht optimal ist. Der linke “Berg” ist abgeschnitten, folglich befindet sich keine Zeichnung mehr in den Tiefen und es liegt eine Unterbelichtung vor.

Low Key einer Katze und passendes Histogramm
(Quelle: Foto: flickr: mjjgm)

Wer sich für den ersten Teil dieses Artikels interessiert, schaut sich High und Low Key – Teil 1: White is beautiful an oder weiterführend neugierig geworden ist, was das Thema Schatten betrifft, sollte den Artikel Schattenspiele lesen. Unter dem Stichwort “Fotografie” findet ihr weitere spannende Fotografie-Themen. Viel Spaß beim Lesen!

Der Beitrak High und Low Key – Teil 2: Black is beautiful erscheint auf FW: look! – Design Blog.

Jeder hat sicherlich schon mal diese extrem hellen bzw. weißen Fotografien gesehen, welche eine unglaubliche Unschuld ausstrahlen… Die High Key-Fotografie beschäftigt sich mit hellen, zarten Motiven, sodass sie oft für Kinderbilder und Aktaufnahmen dienen.

Aktfoto als High Key
(Quelle: Titus36)

Kind, High Key fotografiert
(Quelle: beaglefur)

Woher der Name High Key?

Das englische Wort “Key” bedeutet Schlüssel. In der Fotografie beschreibt das Wort das bestimmende Licht der Aufnahme bzw. die vorherrschende Farbe oder den Helligkeitsbereich. Der Begriff insgesamt stammt aus dem frühen Stummfilmen. Die Helden wurden dort hell und freundlich dargestellt, indem sie weiß gekleidet wurden und das Führungslicht (key) eher hoch (high) gehängt wurde.

“High Key” Szene aus einem Stummfilm
(Quelle: http://thebioscope.net/category/westerns/)

Eigenschaften und Umsetzung von High Key

High Key Bilder weisen vorwiegend helle bis mittlere Tonwerte auf, wobei eine Kontrastwirkung durch wenige tiefschwarze Elemente durchaus erlaubt ist. Aber hauptsächlich werden helle und weiche Bilder angestrebt, welche keine Schatten enthalten sollen. Die Konturen sollen trotzdem erhalten bleiben. Das umzusetzen ist nicht gerade leicht: Es wird eine umfangreiche Lichtausstattung benötigt und der Hintergrund muss hell bis weiß sein. Hier seht ihr einen beispielhaften Aufbau für High Key Aufnahmen:

Stand der Blitzgeräte für eine High Key-Aufnahme
(Quelle: fwlook.de/Laura Kluczny)

Diese Aufnahmetechnik vermittelt eine bestimmte Stimmung: Die Farbe weiß strahlt Reinheit aus und die Helligkeit Wohlbefinden. Dadurch, dass wenig Schatten und wenige Hautdetails sichtbar sind, wird diese Technik häufig in der Mode- und Beautyfotografie eingesetzt. Denn sie lässt Models nahezu makellos aussehen. Trotzalledem: Je näher man Models fotografiert, desto mehr offenbaren sich vorhandene Makel wie rauhe Haut oder Rötungen. Deshalb ist eine Nachbearbeitung Pflicht.

High Key-Aufnahme von Model
(Quelle: kMoOg)

High Key-Aufnahme von Model
(Quelle: deviantart: moodscapes)

Übrigens hat High Key nichts mit Überbelichtung zu tun. Denn in den hellen Bildbereichen ist immernoch eine minimale Zeichnung vorhanden. Bei einer Überbelichtung sieht man nur noch reines Weiß und es kommt zu unschönen Tonwertabrissen (Tonwerte fehlen).

Hier ein beispielhaftes Histogramm eines High Key-Fotos. Es zeigt, dass das Bild keine wirklich dunklen Bereiche enthält. Denn das “Gebirge” fängt erst auf der rechten Seite an zu wachsen und ist nur leicht rechts abgeschnitten, das bedeutet, dass das Bild hauptsächlich helle Tonwerte und noch eine leichte Zeichnung aufweist.

High Key von Nymphensittich und passendes Histogramm
(Quelle: Foto: wynnesome)

Hier sieht man ein Bild, welches ansich auch eine High Key-Aufnahme ist, aber wo trotzdem Zeichnung in den hellen Bildteilen fehlt. Es herrscht eine Überbelichtung, da der “Berg” auf der rechten Seite abgeschnitten ist.

High Key von Ratten und passendes Histogramm
(Quelle: Foto: DianePhotos)

Natürlich kann man nicht erwarten, dass jeder eine solche Studiobeleuchtung besitzt. Man kann auch ohne Kamera und teuren Blitzen mit der High Key-Technik etwas exprimentieren. Dazu könnt ihr euch das Tutorial High Key erstellen anschauen

Und hier kommt ihr zum zweiten Teil, welcher sich um das genaue Gegenteil von High Key dreht: Low Key-Fotografie!

Der Beitrak High und Low Key – Teil 1: White is beautiful erscheint auf FW: look! – Design Blog.

Die Infrarotfotografie, abgekürzt IR-Fotografie oder auch Falschfarben-Fotografie genannt, gibt es schon seit 1910. Aber davon gehört haben wohl bisher die wenigstens von euch… Obwohl solch wundervolle Bilder damit entstehen:

Mirror of Ice
(Quelle: nxxos)

Dresden Zwinger in infrared
(Quelle: Torsten-Hufsky)

a Bugs Life - infrared
(Quelle: KonczeyZsolt)

Was ist Infrarotfotografie?

Die erste Infrarotfotografie wurde von dem US-amerikanischen Physiker Robert Williams Wood veröffentlicht, welcher die ungewöhnlichen Effekte, die nach ihm benannten Wood-Effeke, entdeckte.

Der Wood-Effekt erschafft also wunderbare surreale Bilder mit einem mystischen und ungewöhnlichen Touch.

Der Wood-Effekt:

Blattgrün erscheint im nahen Infrarot strahlend weiß, da Chlorophyll im infraroten Bereich transparent ist und somit das Licht am in der Pflanze enthaltenen Wasser reflektiert werden kann. Zu einem kleinen Teil hängt der Effekt auch mit der Fluoreszenz des Chlorophylls zusammen, welches kurzwelliges Licht stark absorbiert und wellenlängenverschoben im Infraroten wieder abgibt.

Für Pflanzen ist dieser Effekt überlebenswichtig, da eine zu hohe Aufnahme der Infrarotstrahlung der Sonne zum Wärmetod führen würde. (Quelle: wikipedia.de)

Der Infrarotbereich gehört zum elektromagnetischen Spektrum und reicht von 780 Nanometer (nm) bis 1 mm. Unser Auge nimmt legendlich das Licht zwischen 380 und 780 Nanometer wahr. Bei der IR-Fotografie betrachtet man ausschließlich die für uns unsichtbaren Lichtwellen von 780 bis 1400 nm. Dazu nochmal eine kleine Grafik:

Grafik: Lichtspektrum und Infrarotbereich
(Quelle: fwlook.de/Laura Kluczny)

Zu früheren Zeiten benötigten die Fotografen teure Spezialfilme für ihre analogen Kameras, heutzutage genügen entsprechende Infrarotfilter (Schwarzfilter) für die Digitalkamera, welche das sichtbare Licht bei der Aufnahme unterdrücken. Dabei erscheinen alle Bildstellen, welche sich unterhalb des Spektralbereiches befinden und durchlässig für den Filter sind, dunkel und alle oberhalb erscheinen hell. Zum Beispiel erscheint das Grün der Pflanzen als strahlend weiß und der Himmel wirkt dunkler:

Strahlend weißer Baum und dunkler Himmel
(Quelle: dingodave)

Wie fängt man Infrarotstrahlen ein?

Normalerweise sind die digitalen Sensoren in Kameras sehr empfindlich für infrarotes Licht, aber diese Eigenschaft wird von den Kameraherstellern zugunsten der Bildqualität unterdrückt, sonst kommt es zu starker Unschärfe.

Um Infrarot fotografieren zu können, kann man sich im Fachhandel sogenannte Schwarzfilter besorgen, die vor das Objektiv gesetzt werden. Sie bewirken, dass die Kamera für Infrarotstrahlen wieder empfänglich wird. Trotzdessen sind manche Kameras nicht für dieses Art der Fotografie geeignet! Beachtet werden muss auch die längere Belichtungszeit (mind. 1 Sekunde) und dass der Blendenwert niedrig sein sollte. Außerdem muss man bei den meisten Objektiven die Entfernung abweichend von der Skala einstellen.

Wichtig: Der manuelle Weißabgleich. Der Weißabgleich dient dazu, die Kamera auf die Farbtemperatur des Lichtes des Aufnahmeortes einzustellen. Da der automatische Weißabgleich zu unschönen Ergebnissen führt, wie ihr auf dem ersten Bild sehen könnt, muss man die Kamera manuell einstellen. So kommt es natürlich auch zu unterschiedlichen farblichen Ausführungen der IR-Bilder.

IR-Bild mit automatischen Weißabgleich
(Quelle: SYNTAXYS Achim Lammerts)

Das gleiche Bild mit manuellen Weißabgleich
(Quelle: SYNTAXYS Achim Lammerts)

Desweiteren gibt es Infrarotfilme (immer Schwarzweißfilme, außer “Kodak Ektachrome Infrared-Film”), welche aber sehr teuer sind und eine spezielle Entwicklung benötigen. Eine weitere Möglichkeit ist der Umbau einer Kamera zur Infrarotkamera.

Für erste Probeversuche kann man 1-2 Schichten unbelichteten und normal entwickelten Diapositivfilm lichtdicht vor das Objektiv befestigen oder die beiden Filterfolien einer 3D-Anaglyphenbrille übereinanderlegen und befestigen.

Auf jeden Fall braucht man am Anfang ein paar Versuche, um diese Effekte perfekt einsetzen zu können. Schließlich sieht man im Sucher nicht, was man dann später als Bild wirklich erhält. Noch weiterführende Informationen erhaltet ihr auf frantzen.de oder auf wikipedia.de.

The Secret Garden
(Quelle: failingjune)

Infrarotfoto von Stockton Island, Alaska
(Quelle: BrianWolfe)

Besonders: Portraitfotografie

Die Haut von Menschen wirkt durch die IR-Fotografie wie Porzellan und Hautunreinheiten verschwinden fast vollständig. Zudem wird alles rötliche sehr hell wiedergegeben:

IR-Fotografie einer Frau
(Quelle: taintedpurplelips)

Leider gibt es nicht viele von diesen IR-Portraits, aber ich habe noch zwei Schöne bei flickr gefunden, welche ich aber aus urheberrechtlichen Gründen nur verlinken kann: Princesa do gelo und Tammy Halbig.

Weitere Artikel zum Thema Fotografie findet ihr unter dem Schlagwort “Fotografie”

Der Beitrak Unsichtbarer Surrealismus: Die Infrarotfotografie erscheint auf FW: look! – Design Blog.

Ich gehe mal davon aus, dass der Name “Banksy” jedem der hier Mitlesenden ein Begriff ist.

Sollte es doch tatsächlich Frevler geben, die den bekanntesten Streetartkünstler nicht kennen, sollten sie sich schnell auf seiner Website ein eigenes Bild machen und sich bei Interesse noch den Trailer zum Film “Exit Through the Giftshop” ansehen.

[Im Feed kann dieses Video nicht angezeigt werden.Klicke zum Blogeintrag um das Video anzusehen.]

Bekannt ist “Banksy” vor allem für seine Schablonenarbeiten, die man, ausgehend von London, mittlerweile überall auf der Welt finden kann.

Der Fotograf Nick Stern hat sich unter dem Namen “You are not Banksy” seinerseits einige der bekanntesten Arbeiten von “Banksy” als Vorlage genommen, diese nachgestellt und fotografiert.

Banksy Throwing Flowers
(Quelle: Nick Stern)

Banksy Guard Peeing
(Quelle: Nick Stern)

Ich mag an der Idee besonders, dass Stern hier eine Art von Abstraktion, nämlich die der Vorlage hin zur Schablone sowohl weitertreibt als auch wieder rückgängig macht.

Weitertreibt in dem Sinne, als das niemand, außer “Banksy” selbst, sagen kann, nach was für eine Vorstellung und auf Basis welcher Vorlagen er die Schablonen erstellt hat. Die Fotos von Stern sind also eigentlich auch wieder eine Abstraktion eben dieser Schablonen.

Allerdings holt er die dargestellten Szenen von der sehr reduzierten und zweidimensionalen Darstellung als Bild an einer Wand in die dreidimensionale – “reale” – Welt zurück. Dadurch macht er den vorangegangenen Schritt der Abstraktion rückgängig, da die Wandbilder, die einen großen Raum für eigene Interpretationen lassen, plötzlich wieder sehr greifbar und sehr genau definiert auftreten.

Diesen Zwiespalt finde ich sehr interessant, da hier zwei eigentlich gegensätzliche Denkansätze miteinander verbunden werden.

Banksy Bazooka Mona Lisa
(Quelle: Nick Stern)

Banksy Maid
(Quelle: Nick Stern)

Vor allem an der “Bazooka Mona Lisa” und dem Zimmermädchen kann man sehen, dass beim Nachstellen der Bilder schon einiges an Aufwand betrieben wurde, damit die Fotos den Originalen möglichst ähnlich sehen. Wenn einem die Arbeiten von Banksy geläufig sind, wird man die ziemlich schnell in den Fotos wiedererkennen.

Etwas schade finde ich allerdings, dass dies dann nicht bis wirklich in die Details durchgezogen wurde. Wenn man sich die Bilder wie hier im Vergleich genauer ankuckt, unterscheiden die sich dann doch deutlich voneinander. Man darf mich gerne pingelig nennen, aber wenn man sich die Details der Bazooka oder die Farbe der Wand hinter dem Zimmermädchen ankuckt, stimmen diese nur auf den ersten Blick überein. Auch sind Körperhaltung der Modelle und Perspektive der Aufnahmen längst nicht identisch.

Nun kann man natürlich sagen, dass dies genau so gewollt war und ich einfach zu anspruchsvoll bin. Meiner Meinung nach sollte man aber, wenn man sich schon an an die Umsetzung einer eigentlich sehr großartigen Idee macht, möglichst genau arbeiten. Das die Fotos gut sind möchte ich gar nicht abstreiten. Noch besser hätten sie mir allerdings gefallen, wenn man da noch etwas sorgfältiger vorgegangen wäre.

Banksy Girl Hugging Bomb
(Quelle: Nick Stern)

Banksy Caveman
(Quelle: Nick Stern)

Banksy Jesus
(Quelle: Nick Stern)

Neben dem “You are not Banksy”-Projet hat Nick Stern noch einige sehr starke Dokumentarfotografien gemacht, die man sich direkt auf seiner Website ankucken sollte. Über diese Website gelangt man auch zum Shop von Nick Stern, in dem man sich beispielsweise die Banksy-Fotos für 45$ das Stück bestellen kann.

Wer mehr über “Streetart” lesen will, dem sei das Schlagwort “Streetart” empfohlen, wo es z.B. die komplette Dokumentation “Unlike U” über Grafitti auf Zügen in Berlin zu finden gibt.

Diejenigen, die sich eher für das Kombinieren unterschiedlicher Stile oder Motive in einem Werk interessieren, sollten sich unsere Beiträge zum Thema “Mash Up” ankucken.

Der Beitrak Banksy in echt erscheint auf FW: look! – Design Blog.

Einer meiner Lieblingsfotografen Paul Ripke hat sich mal wieder daran gemacht Körperteile zu vertauschen. Entstanden ist “Hands up!”.

Paul Ripke tauschte 2010 bereits die Köpfe von Eltern und Kind, woran er scheinbar gefallen gefunden hat.

Daher hat er nun gemeinsam mit POP-Postproduction die Köpfe der Protagonisten durch passende Handzeichen ersetzt. Die Motive sind wie gewohnt bewusst überspitzt und über deutlich dargestellt. Und genau das macht meiner Meinung nach die Bilder aus. Zudem sehen die Arbeiten nicht nach 08/15 Retuschearbeit aus, die eben aus Jux in der Mittagspause entstanden sind.

“Hands up!” von Paul Ripke und POP-Postproduction

Hip Hop
(Quelle: Paul Ripke)

Punk
(Quelle: Paul Ripke)

Star Trek
(Quelle: Paul Ripke)

Flower
(Quelle: Paul Ripke)

Metaler
(Quelle: Paul Ripke)

Surferin
(Quelle: Paul Ripke)

Prolet
(Quelle: Paul Ripke)

Galerie: “Kindsköpfe” von Paul Ripke aus 2010

familien10-2

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Der Beitrak Hands up! – Schon wieder was vertauscht erscheint auf FW: look! – Design Blog.